Blog Körper und Kunst im digitalen Zeitalter

Mensch-Maschine-Interaktion

Ein historischer Ansatz der Anfänge

Laut Paul Virilio ist eine der merklichsten Folgen der Technologie und insbesondere der Geschwindigkeit die habe die Weltanschauung verändertIn diesem Abschnitt gehe ich auf einige Überlegungen ein, die für mich interessant waren, weil sie uns fragen, wie sich die Rollen des Werks und des Künstlers in Bezug auf die neuen Medien entwickelt haben.
Nach Manchán Fiz entwickelt sich die elektronische Kunst mit der Popularisierung des Videos und dessen Verwendung in den Erneuerungsbewegungen der sechziger Jahre.Obwohl Videokunst in den ersten Momenten ein Ersatz für das Fernsehen war, definierte sie bald ihre eigene Sprache und ihre unterschiedlichen Ausdrucksformen: Videokultur, Video-Performance, Video-Installation, in der die Darstellung des Körpers sehr häufig ist.
 
Pionier der Videokunst war der koreanische Künstler Nam June Paik (1932) hebt auch der Künstler Bill Viola (1951) basiert auf dem Prinzip, dass das Video eine Form der Kommunikation Künstler ist selbst das macht immer dann vor, ihre eigenes Bild. Gary Hill, zielt darauf ab, das Video durch die belanglose von Menschen zu zeigen, Bruce Naumann coienza die Tiefen der Landschaft der menschlichen Psyche in dem Wunsch, zu erforschen, um zu sehen, die unergründlich, Marijo La Fontaine zu machen usw.
Mit fortschreitender Entwicklung der Technologie und mit dem Übergang von der analogen zur digitalen Kultur bricht die Linearität der Kommunikation und damit die Komplexität der Produktionsweisen. So haben wir uns von einer Produktionslinearität (Künstler-Werk-Rezeption) zu einer nichtlinearen und zunehmend komplexen Produktion bewegt, in der nicht nur die Anzahl der beteiligten Fächer erweitert und der physische Produktionsort diversifiziert ist, aber oft wird das Produkt etwas Immaterielles, ein Bild in Bewegung das Fehlen der Wertschätzung als Ware des Wandels entzieht sich der traditionellen bürgerlichen Besitzauffassung.
Auf der anderen Seite möchte ich mit der Entwicklung spezifisch kybernetischer Kunst neue Tatsachen hervorheben, die künstlerische Errungenschaften in den letzten Jahrzehnten konditioniert haben und die berücksichtigt werden sollten:
· Berechenbare Formen sind untrennbar mit der technologischen Entwicklung in ihrem Prozess und in ihrer Verständlichkeit verbunden, diese Formen wurden nicht in der Welt der professionellen Künstler geboren, sondern in der der großen Firmen: Bell, Boeing, Westinghouse. Siemens, General Motors. Die Entwicklung der technologischen Kunst hat daher mit dem gegenwärtigen sozialen Bereich zu tun, obwohl sie in den letzten Jahren dazu neigt, populär zu werden und aufzuhören, repräsentativ für die kapitalistische Produktion zu sein.
· Es ist wichtig, sich darüber im Klaren zu sein, dass der Computer jenseits der ikonischen Darstellungen jeglicher Art ein Mittel ist, strukturelle Anordnungen zu konzipieren, die zu einem Hilfsinstrument für die Schaffung ästhetisch-künstlerischer Ordnungen geworden sind. Die Ästhetik des Computers ist laut Bense eine numerische Ästhetik, interessiert sich für numerische Werte und ihre Beziehung zu Komplexität und Ordnung.
· Wir müssen das Verhältnis von Sprache und Technologie (verbal, nach Sprache und mathematischem Typ) annehmen, um dies zu verstehen Die Technologie, als ein linguistisches Werkzeug, übt eine Rückmeldung aus, indem sich das menschliche Gehirn sowohl in der Progression als auch in der und das ist interessant, um die Beziehung des Körpers mit der Technologie aus der Sicht des Betrachters zu verstehen.
· Marchan Fiz auch fest, dass in der frühen kybernetischen Kunst in den Jahren 60 und 70 die emanzipatorischen Möglichkeiten des Mediums zu finden, gegeben sind, von den Künstlern sollten in dieser Linie zu Antoni Muntadas haben eine Haltung kritisch befürworten Künstler: „Künstler sollten die gleiche kritische Position halten, die auf der Grundlage der genialsten Werke der Kunstgeschichte ist, verwurzelt diejenigen, die in einer Zeit und an einem bestimmten Ort der Arbeit, dh in einem Kontext“.
· Wir sind von der von Walter Benjamin vertretenen Kunst der technischen Reproduzierbarkeit zur Kunst des Zeitalters der digitalen Reproduktion übergegangen. Es gibt keinen Unterschied zwischen Original und Reproduktion. In Film-, elektronischen oder Telekommunikationsmedien. Der Begriff der Urheberschaft wird transformiert, ein Konzept, das bereits von Marcel Duchamp mit dem Ready Made in Frage gestellt wurde. Angesichts der fortschreitenden Verfeinerung der Medien ist sich der Künstler bewusst, dass das Konzept der Urheberschaft zunehmend ein kollaborativer Prozess von Wissenschaftlern, Technikern und Ingenieuren ist. Das Konzept des Künstlerworkshops hat keine Bedeutung mehr, wenn die virtuelle Welt des Netzwerks sein Atelier und seine Ausstellungsmöglichkeit wird.
· Viele Künstler arbeiten mit Technologie, um ihr eine andere Bedeutung zu geben als ihrem eigentlichen technischen Zweck. versuchen, die Mechanismen der Verführung zu entdecken und diejenigen, die die Bedeutung regeln. Für viele Künstler stellt das Netzwerk einen beispiellosen Kontext dar, in dem zu untersuchen ist, aber eine letzte Welle von Künstlern wurde mit dem Computer geboren und betrachtet den virtuellen Raum als die einzige Umgebung, in der man experimentieren kann. Seine Rede ist vergleichbar mit den Entschlüsselungsexperimenten der Mediensprache, die typisch für amerikanische postmoderne Künstler sind, die in der 80-Dekade geboren wurden. Netzkünstler sind nicht von der ständigen Weiterentwicklung der Technologie besessen, sondern vor allem von Künstlern, die die Sprache der neuen Medien entschlüsseln.
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